Arte e estética

Esta dissertação contextualiza a dupla Aldir Blanc e João Bosco, na música popular brasileira de 1972 a 1986, observando sua poética no contexto sócio-político-cultural brasileiro, no período de auge da ditadura militar e da transição para o Estado democrático. Procura demonstrar que a produção musical da dupla ganhou fortes matizes ideológicos e apontou uma sintonia grande com o momento histórico. Considera que a obra de Aldir e João é o retrato do Brasil, visto do ponto de vista do oprimido, seja ele o trabalhador rural, o favelado, a mulher vulgar ou o próprio artista. Qualquer que fosse o enfoque adotado, as canções da dupla revelavam algumas intenções bem típicas daquele momento histórico: intenção de resistir, política e culturalmente, à ditadura militar, intenção de conscientizar a população brasileira a respeito do momento em que vivíamos. Enfim, a obra se configura como uma arte de resistência, um projeto assumidamente engajado. Seja na opção pelo gênero musical, seja pela visão carnavalizadora de Brasil, seja na busca da nacionalidade, o trabalho da dupla volta-se para uma clara direção: a de retratar criticamente a realidade brasileira, como forma de denúncia do regime ditatorial e de resistência a ele.

As "ações culturais" representam um fenômeno relativamente recente no cenário brasileiro, destacando-se dos projetos culturais convencionais por praticarem linguagens artístico-culturais variadas a partir dos espaços marginalizados da cidade e por privilegiarem o desenvolvimento social em detrimento do econômico. A presente dissertação tem como foco o estudo destas ações culturais, a definição de suas principais características e de sua relação com o espaço urbano, em especial com a cidade do Rio de Janeiro. Para ilustrar esta relação é abordada como estudo de caso a região da Maré - um complexo que abriga mais de 130 mil habitantes em dezesseis favelas. Apesar de constituir um espaço heterogêneo, dotado de valores, identidades e culturas diversas, a Maré ainda é amplamente identificada pelo viés da violência, da carência e da pobreza dentro do contexto carioca. Neste trabalho são aprofundadas três ações culturais locais que surgiram com o objetivo de quebrar estes estigmas, munindo-se de um forte caráter de afirmação e de resistência na tentativa de legitimar a cultura produzida nas favelas. Estes três exemplos - o Centro de Estudos e Ações Solidárias da Maré - CEASM (através do Museu da Maré), o Grupo de Capoeira Angola Ypiranga de Pastinha (através do Centro de Artes e Cultura Popular da Maré) e o Observatório de Favelas ainda conseguiram extrapolar seus objetivos iniciais, ultrapassando o nível da ação e propiciando a criação de equipamentos alternativos de cultura, que se destacam por constituírem novos pontos de referência para a população local.

Na literatura brasileira produzida desde o fim do século XX, a violência urbana parece ser, sua temática com maior força de expressão. A crítica, no entanto, mostra-se dividida e, por vezes, acaba justificando a presença desta como um mecanismo – quase – obrigatório para atrair leitores e, dessa forma, estimular o mercado editorial. Patrícia Melo, autora de duas novelas, sete romances e um livro de contos, é constantemente aludida por sua prosa objetiva; a frieza que move seus personagens encontra comparação, com frequência, na obra produzida por Rubem Fonseca. Por fim, consolidou-se como escritora do gênero policial, o que afirma não ser. Neste trabalho, abordaremos essas questões dentro do cenário literário que vem se constituindo no início do século XXI e como a autora se insere nele. Para isso, revisitaremos os principais aspectos de sua obra Inferno (2000), romance que narra a trajetória que conduziu o menino Reizinho ao poder do tráfico no morro do Berimbau, favela onde cresceu.

Este trabalho visa a abordar a questão dos discursos que emergem sobre a miséria e a exclusão no cinema contemporâneo brasileiro, tomando como ponto central o filme 5xfavela, agora por nós mesmos (2010). Pretendemos analisar quais são esses discursos, como são apresentados, em que contextos eles surgem e quais são as estratégias utilizadas para se produzi-los. Para tanto, partimos de ensaios produzidos nos meios cultural e acadêmico sobre o tema da periferia no cinema brasileiro e utilizamos o conceito de agenciamento coletivo de enunciação, dos filósofos Gilles Deleuze e Félix Guattari, para propor esse debate. A partir da análise que fizemos, notamos que não há necessariamente uma ruptura nos discursos sobre a periferia, mas sim um deslocamento do polo negativo para o polo positivo no que concerne à representação da exclusão. O excluído deixa de estar associado ao banditismo e passa a ser associado ao consumo, o que lhe confere um novo status social.

A peça musical Orfeu da Conceição (1954), de Vinicius de Moraes (1913-1980), uma transposição do mito grego para as favelas dos morros cariocas no período dos festejos carnavalescos, foi levada à cena em 1956. Nesta dissertação, optamos por destacar o mérito de Vinicius, tanto como exímio adaptador que renovou e abrasileirou a história de Orfeu e Eurídice, combinando elementos de diversas vertentes do mito órfico com a cultura e a música brasileiras, quanto como iniciador de uma rede de textualidades artísticas em torno do seu Orfeu negro. Objetivou-se, ainda, mostrar que as posteriores adaptações fílmicas – Orfeu negro (1959), de Marcel Camus, e Orfeu (1999), de Cacá Diegues – são expressões do contexto cultural em constante mudança, visto que dialogam não somente com a versão viniciana e com narrativas órficas originárias em épocas e contextos distintos, mas também com o tempo em que foram criadas. Enquanto Camus imprime uma visão estrangeira sobre o negro afro-brasileiro e o carnaval carioca, Diegues apresenta um olhar realista voltado para a vida nos morros na atualidade, onde o crime, a corrupção e o tráfico de drogas fazem parte da rotina cotidiana. Nesse sentido, foram priorizados os diferentes olhares sobre dois motivos míticos revisitados pelos três adaptadores – a descida de Orfeu ao inferno e sua morte pelas mãos das Bacantes – porque esses episódios desempenham funções importantes nas recriações mencionadas. A base teórica, para a discussão e análise do corpus selecionado, inclui estudos sobre adaptação, intertextualidade e intermidialidade de Linda Hutcheon, Gérard Genette, Robert Stam e Patrice Pavis; apontamentos de Kathrin Sartingen sobre a questão do abrasileiramento; e considerações críticas de Mikhail Bakhtin para a elucidação dos motivos míticos reconfigurados, principalmente no que se refere à carnavalização e à representação de aspectos do grotesco, presentes nas três versões examinadas.

A presente dissertação narra a História do Urbanismo do Rio de Janeiro, no início do século XX. Neste percurso, as canções brasileiras e os sambas fazem o contraponto entre a história oficial, representado pelos projetos de urbanização, implementados pelos prefeitos Pereira Passos (1902-1906) e Pedro Ernesto (1934-1938), e a leitura da cidade, a memória e os significados contidos nas letras dos sambas, os quais, na sua quase totalidade, foram escritas por pessoas de setores menos abastados da sociedade, moradores dos morros e favelas e também do Antigo Centro da cidade do Rio de Janeiro. Nessa encruzilhada entre o samba e a cidade passamos pela “A Cidade vista por Milton Santos”, com o objetivo de serem delineados os conceitos basilares dessa dissertação: “cidadania”, “espaços opacos”, identidade, os quais propiciam o entendimento dos processos decorridos na história. A identidade da Cidade e do Samba são temas tratados transversalmente ao eixo da cidadania, frente as interfaces ideológicas. Espaços urbanos e usos urbanos, ocupados pelos negros e sambistas, no Rio de Janeiro nas gestões das décadas de 1920 e 1930. É, portanto, o samba o instrumento balizador do urbanismo e, a sua poética, o mapa histórico destas transformações, que revelam os significados e a memória do povo que o construiu e viveu no Rio de Janeiro. Neste percurso das duas gestões analisaremos os traçados urbanos e os constructos dos modelos identitários adotados nas gestões de Passos e Ernesto. Iremos observar as contradições da cidade que segrega a quem lhe empresta a sua própria cultura como matriz identitária: os sambistas e povos de matrizes étnicas africanas. Dessa forma, buscamos compreender como ocorre essa relação entre urbanismo e samba.

O intuito desta dissertação é analisar a construção das imagens da favela produzidas pelos filmes Cinco vezes favela de 1962 e 5x favela agora por nós mesmos de 2010. O primeiro filme é fruto do projeto do Centro Popular de Cultura da União Nacional de Estudantes, já o segundo tem origem no projeto de Carlos Diegues, em parcerias com diversas Ongs, que se propõe como uma versão dirigida por diretores moradores de favelas. A existência dos dois filmes, elaborados em momentos diferentes, permite traçar uma comparação entre as duas obras, levando em consideração seus contextos de produção, os objetivos marcados de cada projeto e tomando o cinema como um discurso sustentado por determinados atores em épocas distintas, para refletir acerca de qual imagem da favela cada filme constrói. A comparação entre as duas obras fílmicas, e dos projetos que lhe deram origem, revelam continuidades e rupturas tanto acerca da construção da categoria favela, quanto sobre a lógica representativa em jogo, além da crença no potencial do cinema de transformar a realidade

Dez e mais vezes favela: estética, política e representação trata-se de uma análise comparativa entre os dois filmes brasileiros com o título comum “Cinco vezes favela”, o primeiro do ano de 1964 e o segundo, com o adendo “agora por nós mesmos”, do ano de 2010. Busca-se observar como ambos desenvolvem suas propostas formais e estéticas e como esta realização articula-se com os objetivos de ação política de seus respectivos realizadores, tendo como fio condutor teórico principal as contribuições de Gilles Deleuze e Jacques Rancière.

O Grupo Nós do Morro foi criado em 1986, na favela do Vidigal, a partir do contato entre profissionais de teatro com os jovens moradores, através dos anos, se transformou em uma das mais importantes iniciativas no âmbito de trabalhos artísticos e sociais criados e desenvolvidos no Brasil. A proposta inicial do grupo era um teatro feito “da comunidade para a comunidade”, sendo assim, as peças deste período abordavam temas que refletiam a realidade dos moradores com o objetivo de formar uma plateia local. Mas que plateia era essa? No final dos anos setenta, a construção de prédios na subida do Vidigal fez surgir uma nova vizinhança composta por pessoas de classe média e artistas, entre eles o fundador e diretor geral do grupo, Guti Fraga. Compartilhando do mesmo universo geográfico, a classe média convivia com os moradores mais humildes, ocupantes da parte média e alta do morro. São para estes atores sociais que o discurso do grupo se volta, buscando atrair um público pouco habituado a frequentar teatro. Com o passar do tempo, o Nós do Morro sente a necessidade de perder sua essência amadora e tentar obter reconhecimento da classe profissional. A construção de uma sede própria, após a ocupação de vários espaços dentro do Vidigal, como uma igreja desativada e os fundos de uma escola municipal, reflete essa necessidade do grupo afirmar sua autonomia artística. E foi aí, que, em 1996, o Nós do Morro inaugurou um teatro com capacidade para oitenta espectadores, o Teatro do Vidigal. Com a peça escolhida para inaugurar o teatro, Machadiando, reunião de textos de Machado de Assis, o grupo conquistava o primeiro prêmio oficial, o Prêmio Shell. O prêmio foi recebido com grande entusiasmo pela companhia, que, a partir deste momento, acreditava estar legitimada no mercado não mais em função de um trabalho social realizado em uma favela carioca. Porém, o Nós do Morro vencia como “categoria especial”, ou seja, a crítica especializada valoriza mais um trabalho comunitário do que o espetáculo em si. Somente anos mais tarde, em 2002 é que o grupo ganharia o Prêmio Shell por uma categoria tradicional com a apresentação da peça Noites do Vidigal, primeira montagem do grupo a estrear fora da favela de origem. O espetáculo foi bem recebido pela crítica e foi contemporâneo, também, a participação dos atores no filme Cidade de Deus. O sucesso do longa de Fernando Meirelles impulsionou a carreira de vários integrantes do Nós do Morro para produções no cinema e na televisão. Diante destes acontecimentos pretendemos discutir a legitimidade conquistada pelo Nós do Morro e o significado desta legitimidade para os diversos atores sociais que se apropriam do trabalho do grupo.