Artes

No decorrer dos últimos vinte e oito anos, o governo do Estado de São Paulo vem empenhando esforços para o que, atualmente, tem chamado de "municipalização" da Rede de Museus Históricos e Pedagógicos do Estado de São Paulo. Tal conjunto, reconhecido como a primeira e maior rede de museus do País, criado, em sua grande parte, por Vinício Stein Campos - profissional da educação -, ao longo dos anos foi entendido como de caráter eminentemente municipal; a partir disto, compreendeu-se no cerne da Secretaria de Estado da Cultura, que tais acervos deveriam ser legitimamente devolvidos a seus municípios, dadas as suas características e significado junto às comunidades locais. O texto Museus Históricos e Pedagógicos no Século XXI: processo de municipalização e novas perspectivas pretende levantar, registrar e analisar o desenrolar do processo de municipalização dos Museus Históricos e Pedagógicos do Estado de São Paulo, ainda em andamento, e as possíveis modificações que poderá trazer a estas instituições, tanto em aspectos administrativos quanto técnicos e conceituais. A partir de um panorama geral da constituição da Rede de Museus Históricos e Pedagógicos, desenvolvida no decorrer das décadas de 1950, 1960 e 1970, examinam-se, inicialmente, as motivações para a transferência de tutela dos acervos estaduais, localizados no interior de São Paulo, aos municípios que os sediam. Posto isto, pondera-se, por meio da realização de estudos de caso, sobre os impactos que tal processo gerou e vem gerando nestas instituições museológicas, bem como avaliam-se as possíveis perspectivas a elas oferecidas sob o aspecto da gestão, tanto museológica como de equipamentos municipais de cultura.

Quais as relações entre as artes visuais e a cidade? Como isto ocorre especialmente na América Latina? Como podemos situar conceitualmente o lugar deste fenômeno artístico no panorama geral da arte contemporânea? Essas questões pontuam as preocupações basilares deste trabalho, que aborda os inúmeros aspectos da nova arte urbana a partir de um estudo comparativo entre São Paulo e Buenos Aires. Utilizando o conceito de "cidades-suporte", que remonta à origem do termo "suporte" nas artes e sua ligação com a materialidade da obra, a pesquisa está ancorada em um corpus teórico multidisciplinar. A proposta é analisar o caráter simbólico da cidade e a relação da nova arte urbana com os campos da História, da Teoria e da Crítica da Arte, e sua condição frente às problemáticas apresentadas pela arte contemporânea. Sobretudo, procura-se enfatizar que a arte realizada no suporte da cidade reafirma o caráter presencial e transformador da experiência estética.

O trabalho apresenta um estudo sobre a I Bienal Latino-Americana de 1978 e seu Simpósio. O evento trouxe subsídios para o pensamento crítico sobre a América Latina Contemporânea. Observa-se no estudo a relevância do diálogo sobre a arte em sua identidade especificamente latino-americana (não europeia e nem americana), ocorrido nesta Bienal, e dentro dos quadros da Fundação Bienal de São Paulo. A tese apresenta quatro capítulos, além da introdução e das considerações finais. Os capítulos trazem informações sobre: (1) a Fundação Bienal de São Paulo e as Bienais Internacionais e Nacionais; (2) a organização da I Bienal Latino-Americana, o papel e a expectativa da crítica de arte; (3) o Simpósio, a apresentação de algumas teses, a perspectiva dos artistas; (4) a visão crítica de Aracy Amaral, os procedimentos relacionados a uma possível II Bienal Latino-Americana, as comissões estabelecidas pelos críticos de arte; e em especial, fazemos um comparativo da I Bienal Latino-Americana com a 30º Bienal de São Paulo, e as atuais 54º Bienal de Veneza e a Documenta 13, com uma complementação das Bienais do Mercosul e VentoSul. Recuperaram-se documentos inéditos, tendo-se uma preocupação de reconstruir historicamente o processo de organização desta Bienal, e extrair, dos diálogos registrados em textos, as ideias e estratégias pensadas pelo diretor artístico (curador), e pelos críticos envolvidos no Conselho de Arte e Cultura, e no Simpósio sobre o conceito de arte latino-americana. Evidencia-se o papel da crítica de arte. Trata-se igualmente, a questão da I Bienal Latino-Americana em permanecer parcialmente incógnita, por tantas décadas, nos estudos sobre a arte no Brasil. Na análise empreendida, discorre-se sobre a cena política e artística das décadas 1970 e 1980, sempre que este contexto é relevante para entender a ideia de uma mostra latino-americana de grande porte, a organização desta exposição e os seus desdobramentos críticos e culturais no debate sobre América Latina e Caribe. Uma atenção especial é dada, ao papel da arte no processo de integração desta região do continente americano, e seu possível legado para a contemporaneidade.

A presente pesquisa investiga os caminhos trilhados pelas gravadoras de discos 78rpm que atuaram na cidade de São Paulo, desde a inauguração da gravação elétrica até a consolidação do rádio. Analisa-se, especialmente. o processo de incorporação, seleção, ou recriação das empresas fonográficas diante da produção musical brasileira. A tecnologia elétrica conferiu uma densidade sonora inédita à reprodução das músicas e alterou profundamente a experiência auditiva do ouvinte, a forma de conceber a gravação de sons por parte das companhias fonográficas, e a sua relação com as empresas de radiofonia, criando um modelo de atuação que será utilizado ao longo de todo o século XX. Como objeto privilegiado de análise estão as primeiras séries de gravações produzidas na capital paulistana, cujos acordes e vozes registrados - como os tangos, gravados nos anos 20 - foram emudecidos pelo esquecimento ou pelas péssimas condições de conservação dos fonogramas; outros - como a "música caipira", ou os choros e as valsas - foram intensamente reproduzidos pelas rádios e vitrolas, e permanecem vivos até hoje em nossa memória musical.

Esta dissertação tem como objetivo o estudo sobre a expressão artística e estética dos grafites urbanos, mais especificamente na cidade de São Carlos, tendo como base a contextualização do processo histórico do grafite no Brasil e no Mundo, abordando a sua importância como movimento de cultura, resistência sócio-cultural, veículo de comunicação e obra de arte de rua. Também foram pesquisadas as relações do grafite com o Sanca Hip Hop, evento que ocorre anualmente, desde o ano de 2007, no mês de novembro em parceria com o movimento Negro e o coletivo de Hip Hop de São Carlos. Neste estudo procuramos contribuir para a compreensão das intervenções do grafite - um dos elementos do Movimento Hip Hop - apresentando como instrumento a produção estética na cidade de São Carlos, tendo como um recorte necessário para a amostra dos trabalhos, a pista de skate e imediações do Bairro Santa Felícia e pista de skate e imediações do Bairro Cidade Aracy 2, geradas durante o Sanca Hip Hop e o Pré-Sanca Hip Hop. Os sujeitos da pesquisa são os grafiteiros Bico Madrugas (Danilo Alves Barbosa), Lelin Alves (José Wesley Barbosa Alves), Stan Bellini (Leandro Augusto Bellini) e Spok (Luis Carlos Dias de Almeida), em ordem alfabética, que manifestaram interesse em participar da pesquisa. A metodologia empregada foi a entrevista gravada e depois transcrita com a devida autorização dos grafiteiros: Bico Madrugas e Spok, realizadas em locais diferentes de acordo com a disponibilidade de cada um. A entrevista com os grafiteiros Lelin Alves e Stan Bellini se deram por meio de resposta ao questionário enviado por email, devido os participantes não residirem na cidade. Ainda com relação a entrevistas, algumas questões que surgiram durante a redação do trabalho, foram respondidas através de recurso eletrônico do messenger do facebook. Também foi realizada a análise nas obras que consideramos mais relevantes. Para o embasamento da pesquisa utilizouse o referencial teórico de Lara (1996), Costa (1994, 2000) e Zamboni (2001).

Esta dissertação se propõe a examinar e contextualizar a SP-Arte no mercado brasileiro de arte, compreendendo seus efeitos em termos de circulação, produção, preços e promoção da arte, com o objetivo de avaliar o seu impacto no mercado brasileiro de arte. Trata-se de um estudo exploratório, com adoção de levantamento teórico e documental e também de pesquisa qualitativa, com o uso da técnica de entrevistas em profundidade, para investigar a percepção dos diferentes agentes do sistema brasileiro de arte contemporânea, a saber: organizadores, artistas, galeristas, curadores e críticos de arte, compradores e colecionadores, conservadores e diretores de instituições de arte. Notamos que a SP-Arte tem se destacado no mercado de arte, com a realização de onze edições sucessivas, completadas em 2015. A SP-Arte tem apresentado sucesso crescente, tanto em volume e valor de vendas quanto no número de participantes, entre os quais galerias, artistas e visitantes. Os entrevistados destacaram como pontos favoráveis: organização, otimização do espaço de exposição, qualidade dos participantes (galerias, artistas, curadores, organizadores etc.), participação de expositores internacionais, qualidade das atividades paralelas, e, ainda, nível de vendas em relação a outras feiras brasileiras. Enfatizaram ainda a redução de tributos na aquisição de obras de arte durante a feira, possibilitada pela administração pública, que favorece a comercialização de arte, seja ela de origem nacional ou estrangeira, embora o público comprador que frequenta a SP-Arte ainda seja predominantemente local. Além disso, os entrevistados destacaram o fato da feira ter se tornado um evento importante na agenda cultural paulistana, atraindo turistas de negócios e lazer. Há alguns elementos que ainda podem ser aperfeiçoados, tais como: a infraestrutura no acesso (trânsito e falta de estacionamento); o fomento a parcerias com escolas e instituições no âmbito educacional; a reavaliação da política ou da comunicação de preços da feira, no sentido de atenuar a imagem de altos custos para galeristas (e potenciais expositores) e de preços demasiadamente elevados das obras de arte (em relação a outros canais de venda); e, finalmente, a eficiência da comunicação do evento no exterior para aumentar a visitação de compradores estrangeiros. Tais mudanças podem ajudar a colocar a SP-Arte no mesmo patamar das grandes feiras de arte internacionais consideradas como imperdíveis, principalmente por galerias e colecionadores.

Esta dissertação tem o objetivo de refletir sobre as práticas de Curadoria Educativa e Mediação da Arte Urbana a partir da observação de suas relações com Instituições Culturais e Educacionais na cidade de São Paulo. Analisamos exposições de Arte Urbana, entre 2009 e 2013, no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand e no Museu Brasileiro da Escultura, os quais, a partir de agora, serão representados pelas siglas MASP e MuBE. Pesquisamos as mostras: De dentro para fora/De fora para dentro e De Dentro e de Fora, no MASP; e as I e II Bienal Internacional do Graffiti Fine Art, no MuBE. As mostras citadas foram escolhidas por se tratarem de exposições de Arte Urbana sediadas em museus. Realizamos também dois estudos de caso, duas propostas de práticas em Arte Urbana, direcionados à educação. A primeira é o trabalho do Eduqativo do Instituto Choque Cultural que mantém projetos como o Linguagens Artísticas: Arte Urbana na Escola, um projeto de Arte Urbana ligado à educação junto às instituições educativas públicas no município de São Paulo. A segunda é um projeto de Arte Urbana, que acontece na Escola Municipal de Ensino Fundamental Deputado João Sussumo Hirata, citada de forma abreviada (EMEF) Dep. João Sussumo Hirata, localizada no bairro Jardim Ofélia, periferia da cidade de São Paulo, que pelo segundo ano consecutivo, realizou o projeto Fazendo Arte no Sussumo, com base na cultura hip hop cujo encerramento é a festa do Grafite no Sussumo, nomeada de Graffitassu. Preocupados com a leitura dessas imagens, trazemos uma discussão sobre o processo de comunicação entre o emissor e o receptor dessas imagens quando estas transitam em diferentes espaços como os institucionais e os públicos, a rua. Com base nos estudos voltados à Educação de Freire, de Vygotsky, de Foucault, à Sociologia de Bauman, Hall, Bourdieu, Badiou, à Arte-educação de Ana Mae Barbosa e à Arte de Rancière, Baudrillard, Cauquelin, temos o intuito de refletir acerca das práticas e abordagens aplicadas por instituições culturais e educativas, de forma social, política e educativa para contribuir com as discussões direcionadas à Arte Urbana quando em diferentes ambientes, visando a Arte-educação.

A presente investigação examina a atuação de duas instituições museológicas paulistas o MASP e o MAC USP enfocando os pensamentos e práticas de seus dirigentes Pietro Maria e Lina Bo Bardi e Walter Zanini especialmente entre fins da década de 1960 e início da década de 1970. Através do estudo de textos desses diretores e de exposições por eles concebidas junto a essas instituições busca-se entender como suas concepções de arte e museu foram colocadas em prática. O frutífero histórico de ações e reflexões que envolveram as atuações do casal Bardi no MASP e de Zanini no MAC USP compuseram nessas instituições ambientes condizentes com a ideia de museu entendido como espaço vivo e atento à manutenção do diálogo com as suas funções sociais e com a dinâmica do meio no qual está inserido.

O cinema é um meio de reprodução mecânica da imagem surgido no final do século XIX, na Europa, numa época em que a sociedade e a cultura experimentavam a chegada da modernidade. Sua presença corroborou para a crise da arte pictórica e seu mecanismo de apreensão da realidade foi apropriado pelos artistas das vanguardas de ruptura, em especial os dadaístas, que passaram a utilizar o filme experimental para refletirem e criticarem seu tempo. Muitos dos artistas envolvidos com as vanguardas voltaram-se para a realização de filmes que enfocavam a metrópole e suas contradições na vida e nos costumes de seus habitantes. Este trabalho pretende partir deste ponto, quando o cinema de vanguarda se torna uma ferramenta de documentação histórica e social, procurando, como objetivo, observar a presença da metrópole nos filmes autorais realizados no início do século XX, bem como a presença de seus habitantes, buscando compreender quais procedimentos estéticos e ideológicos permeiam tais obras a partir do uso inventivo da câmera, num momento em que o cinema demonstra clara diferenciação entre a mera narração de entretenimento, e a arte como crítica e reflexão. Neste trabalho serão analisados os filmes Rien que les heures (1926), de Alberto Cavalcanti; e Berlim, sinfonia da grande cidade (1928), de Walter Ruttmann, e comparados com as produções brasileiras São Paulo, a sinfonia da metrópole (1929), de Rudolf Rex Lustig e Adalberto Kemeny; e Fragmentos da vida (1929), de José Medina. A intenção é compreender suas realizações dentro da realidade social, poética e estética de seu tempo, observar a presença da figura do flâneur em contraponto com o homem-da-multidão, e estabelecer paralelos entre os filmes europeus e os brasileiros, aqui abordados.  

Desenvolver reflexões sustentadas na possibilidade do estranhamento acerca da adjacência da arte com a vida que partem de diferentes vivências clínicas circunscritas pela prática como terapeuta ocupacional, mas a extravasam por todos os lados. Esse é o enunciado desta pesquisa. A escrita é amparada na construção de narrativas, que intentam produzir enunciados coletivos e favorecer a constituição de um plano de duplo devir, onde ao mesmo tempo em que recria o vivido, o próprio narrador cria-se a si próprio. A seleção das cenas para se colocar em jogo inquietações e encantamentos advindos dos pontos de contato entre uma prática clínica e certos acontecimentos estéticos e/ou artísticos parte de achados da memória que emergem em seu caráter violento e indecifrável, que obriga a vida a transgredir-se a si própria e criar novos campos de alastramento. A exploração do tema parte de dois lugares de enunciação e ancoragem, apresentados como Plataforma Arte e Estação Clínica. A Plataforma Arte se ocupa de percorrer passagens de estado na história da arte que ajudam a pensar a transitoriedade das certezas sobre a produção estética e sua indissociabilidade com acontecimentos de ordem política e social. A história é pensada a partir do ponto de vista de Walter Benjamin, ou seja, como um discurso que é sempre do colonizador, ao que caberia então escovar a história a contrapelo, buscando uma história menor dentro de uma história maior. Trabalhos de artistas, cenas da experiência como monitora da 27a Bienal de São Paulo Como Viver Junto e da prática profissional são mobilizadas para favorecer a construção de um pensamento contemporâneo da arte, entendido como aquele que, em seu caráter estrangeiro, permite a liberação de novas possibilidades da experiência; a escritura de outras histórias. Essa conceituação aproxima-se inevitavelmente de um posicionamento ético-político, o que justifica sua relevância para a pesquisa. A Estação Clínica, por sua vez, passeia por cenas de atendimentos feitos em Centros de Atenção Psicossocial (CAPS) da cidade de São Paulo e outras advindas de situações cotidianas quaisquer. Os pontos de atenção são aqueles nos quais algo se desencaixa sutilmente do previsto e onde, a despeito das funções institucionalmente designadas, não se sabe mais ao certo quem acompanha quem. Ditos de outros, tais como Barthes, Deleuze, Guattari, Agamben, Blanchot e Walter Mignolo; e conceitos como o silêncio, a delicadeza, o eterno retorno, o acontecimento, a comunidade que vem; comparecem ao longo da pesquisa como amizades que partilham encantos, permitem e acompanham minúsculas conexões que se fazem na tentativa de desobrigar a vida de seus aprisionamentos. Ao invés da linha de chegada, trata-se aqui da declaração e perseguição de um desejo, o qual se delineia a partir do olhar para o que se dá entre elementos estabelecidos e deles desmanda. Trata-se da afirmação da fronteira como lugar onde se pode, eventualmente, experimentar liberações que fortalecem a vida em sua potência de criação de si, e de uma comunidade que vem.