Arte e estética

A presente pesquisa consiste em um estudo de caso sobre a prática do ensino de música com alunos de 8º e 9º anos do Ensino Fundamental II, a partir de músicas de seus respectivos cotidianos, em uma escola particular da cidade de São Paulo, revelando uma proposta embasada em um projeto denominado Portas da Música. Os objetivos específicos consistem em analisar as contribuições da Música enquanto prática pedagógica para a formação geral do indivíduo em ambiente escolar, e também em refletir sobre o papel docente e seus objetivos de ensino, enquanto mediador da aprendizagem e da construção do saber. Os fundamentos teóricos buscaram autores como Paulo Freire, Antônio Severino, Arminda Aberastury, Michael Young, Keith Swanwick, Teca Alencar de Brito, Sérgio Figueiredo, Maura Penna e Maria de Lourdes Sekeff, entre outros, assim como, para analisar o material escrito produzido pelos alunos no decorrer do ano letivo, utilizamos a “teoria da relação com o saber”, de Bernard Charlot, que diz respeito às relações epistêmicas, sociais e de identidade. Concluímos que, das relações estabelecidas pelos alunos com o saber e o aprender a partir de canções de seus cotidianos, construiu-se saberes de naturezas disciplinar, musical, que ampliaram as possibilidades de interação com o saber humano Música; e não disciplinares, de caráter filosófico-epistêmico-existencial, que possibilitaram aos educandos novas visões de mundo e de si mesmos, contribuindo direta e dignamente para o processo de humanização de cada indivíduo, para a realização digna do ser cultural sobre o ser puramente biológico, fim último da educação mediadora.

Este trabalho aborda o processo de criação e desenvolvimento do Projeto Arte em Cena, realizado na Escola Estadual Plínio Barreto, na cidade de São Paulo, e inclui a apresentação e análise da trajetória do grupo de teatro estudantil (de 2007 a 2014), de mesmo nome, seu processo de criação, as montagens e apresentações teatrais na escola e fora dela. A pesquisa trata do teatro como prática de liberdade e sua possibilidade de proporcionar a oportunidade de adolescentes, educandos e ex-educandos da escola pública, ampliarem a habilidade de criação, bem como o processo criativo e construtivo como facilitador do desenvolvimento de potencialidades de vivência na sociedade atual, com participação ativa e de modo mais humanizado. Parte da premissa de que a arte - o teatro – constitui-se de uma ação educativa crítica e transformadora, e utiliza os pensamentos de Edgard Morin, Paulo Freire e Lev Vigotski, em uma perspectiva histórico-cultural, e as teorias e práticas teatrais de Constantin Stanislavski e Augusto Boal, para promover uma investigação apoiada na abordagem qualitativa com caráter de pesquisa-ação aliada a pesquisa etnográfica, implicada diretamente na participação dos sujeitos envolvidos. O trabalho desenvolveu uma proposta metodológica em um processo dialógico-crítico-participativo e que entende que os alunos podem tornar-se agentes fortalecedores e produtores de arte e cultura.

A presente pesquisa consiste na discussão sobre o que é Arte Naif, quais são as suas variações e principais artistas. O problema maior é a própria definição do objeto de estudo. Para isso, temos como base os textos dos poucos autores nacionais e estrangeiros que se debruçaram sobre o tema. Alguns deles, inclusive, não são trabalhos acadêmicos, mas catálogos de luxo voltados para a venda de obras ou a divulgação de museus ou coleções particulares. Busca-se estabelecer parâmetros para o debate das manifestações plásticas que são chamadas pela crítica especializada como Arte Naif. O maior evento desse gênero de pintura no Brasil, a Bienal Naifs do Brasil, é realizado em Piracicaba, SP, e teve a sua décima edição em 2010. A pesquisa realiza uma análise dos textos de curadores, curadores-adjuntos e integrantes dos júris de seleção das dez edições do evento (1992-2010) e suas referências para instituir uma discussão sobre o conceito de Arte Naif. Esse diálogo inclui a discussão plástica de obras categorizadas no gênero. Traz ainda comentários sobre os principais artistas que expuseram nas diversas edições da Bienal.

A música popular é um depositário de importantes informações a respeito da história cultural que revela aspectos dos meios social, econômico, político e artístico de um país. Mais especificamente no gênero popular da canção brasileira, encontramos passado e presente constantemente em seu entorno musical e poético, denotando continuidades e rupturas, tradições e modernidade tardia, o urbano e o rural, vozes jovens e adultas, a elite e as classes menos abastadas, enfim, pluralidades. Para entendermos todo esse processo, recorremos ao conceito de antropofagia, pois ele é de grande valia para a compreensão histórica das fusões entre elementos musicais e poéticos do cancioneiro nacional desde sua gênese. Para análise do termo na contemporaneidade, escolhemos o compositor, músico e produtor Lenine, e seu álbum Na Pressão, de 1999, que demonstra de forma prática e atual a antropofagia musical brasileira.

O presente trabalho aborda a importância da obra de arte no ambiente sacro, como relevante instrumento de educação religiosa no interior da Basílica de Nossa Senhora de Aparecida, o maior templo católico do Brasil e o segundo maior do mundo. Trata-se do estudo sobre processo de comunicação e mídia do artista Cláudio Pastro, responsável pela execução da arte sacra e visual da Basílica, para atingir o grande público na contemporaneidade. Como o artista cria esta comunicação estética, unindo todas as partes deste edifício de dimensão monumental, impondo seu estilo único e atual. Com uma linguagem desenvolvida em estudos no exterior e influências no passado, o artista busca na arte sacra os ensinamentos da liturgia e atinge povos de todas as idades, classes sociais e cultura. A análise de uma obra – “O Cordeiro Imolado”, está apoiada por estudiosos de arte e arte religiosa, permitindo depreender a que se propôs o artista e com que profundidade se envolve no mistério do sagrado.

Este trabalho é resultado de uma pesquisa sobre audioguias utilizados em museus de arte como recurso de acessilidade para públicos cegos ou de baixa visão. A partir da delimitação do conceito de deficiência e acessibilidade foram considerados dois conjuntos temáticos para análise. O primeiro refere-se aos discursos verbais veiculados nos audioguias, em particular a descrição, pois é a modalidade textual encontrada em todos os audioguias pesquisados. O segundo conjunto refere-se aos elementos sonoros presentes nos audioguias que, para fins deste trabalho, foram compreendidos como trilhas sonoras. Os audioguias utilizados nesta pesquisa foram recolhidos do Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM), do The Museum of Modern Art- New York (MoMA), do The Metropolitan Museum of Art (The Met) e da Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Esta dissertação trata da análise do semanário satírico ilustrado O Polichinelo, publicado na cidade de São Paulo, em 1876. A partir do estudo da publicação em si, de seu corpo editorial, do traço e da temática de suas charges, bem como a contextualização do momento histórico retratado nelas, este texto busca situar as relações do periódico com o momento de grande agitação política em que vivia o Brasil, e em especial a então província de São Paulo. Naqueles dias do Segundo Reinado, a Abolição e a causa republicana eram movimentos que ganhavam força e se manifestavam através da imprensa. A caricatura e a charge nos periódicos ilustrados utilizavam o humor crítico para destilar suas opiniões a respeito desses temas; com O Polichinello, não seria diferente. Qual seria então o posicionamento do periódico? Que causas ele defendia? Os textos e, em especial, as charges contidas em suas páginas, dão as pistas para a compreensão das intenções e influências por trás do semanário e de como isso se manifestava em sua linguagem.

Essa pesquisa foi desenvolvida partindo da minha inquietação em investigar as inter-relações entre Educação, Arte, Cultura e Tecnologia nos espaços que vão além do universo da sala de aula. Investigo as transformações na instituição museu até os Museus Interativos e descrevo, brevemente, o Museu do Futebol e o Museu Catavento. Porém, o foco desse estudo deu-se na investigação no Museu da Língua Portuguesa. Será ele um mediador cultural através de seus ambientes digitais e da relação interativa com o público? Qual a reação dos visitantes ao se depararem com o Museu da Língua Portuguesa e seus ambientes digitais? E o que as reações frente ao MLP geram nos visitantes? Para responder tais questões, partindo do método etnográfico, realizei pesquisa de campo para observações dos ambientes e dos visitantes, entrevistas com profissionais do Museu, e participei de diferentes ações educativas promovidas pelo MLP. Também acompanhei o MLP no ciberespaço, pelo seu website e nas redes sociais. Os registros foram feitos a partir da linguagem de palavras e de imagens, analisados, classificados e interpretados a partir dos referenciais teóricos estudados sobre o uso e reflexão da língua portuguesa, a interatividade e a mediação cultural nos ambientes digitais.

Este trabalho buscou levantar a trajetória do Teatro Municipal de São Paulo que foi construído pelo patrocínio da elite cafeeira paulista para ser a casa de ópera da cidade em 1911. Reconhecido como patrimônio cultural por sua
história, por seu valor arquitetônico e por ser um espaço culturalmente atuante, oferece uma extensa programação de espetáculos e ações educativas, como a Escola de Música, Escola de Dança e o Museu. A pesquisa de campo visouverificar qual é a relação do habitante da cidade com o Teatro Municipal, focalizando o transeunte que se senta nas suas escadarias e suas percepções sobre o patrimônio cultural, a frequentação do Teatro, os sentimentos e sensações em relação ao Teatro e ao exercício da escuta musical proposto, tendo a música como dispositivo disparador para a experiência estética. Ressaltou-se a conscientização do valor do patrimônio cultural e a importância do contato, da fruição, da mediação cultural para um acesso mais amplo ao
patrimônio cultural, aos territórios culturais e a todas as linguagens artísticas, acreditando na potencialidade da arte e no educador mediador, consciente de sua atuação mediadora em arte.

Impulsionada pela experiência como professora de Artes Visuais, a presente pesquisa surge da necessidade de buscar respostas para algumas questões relativas ao ensino da arte. A intenção foi analisar, o que os teóricos da arte, da educação e da arte educação pensam sobre a arte contemporânea e o seu ensino e também como os professores de artes visuais tem lidado com essa manifestação enquanto fruidores e propositores. Existem pontos de contato entre a teoria e a prática? Como metodologia foram realizadas entrevistas a professores de artes visuais que trabalham no ensino público e particular e que são reconhecidos como propositores de situações que envolvam a arte contemporânea. Ainda como critério de seleção dos entrevistados levou-se em conta os seguintes aspectos: professores que lecionam no Ensino Fundamental II e que levaram seus alunos na 29ª Bienal de Arte de São Paulo em 2010. O caminho traçado pela pesquisa inicia-se através da investigação sobre alguns aspectos da arte contemporânea, atravessa o território experiencial do encontro com a arte - a fruição - e chega ao local onde a arte se alia ao ensino. Nesse percurso que não se finda evidenciou-se especificidades que o ensino da arte contemporânea requer e, principalmente, a importância de um pensamento contemporâneo no ensino da arte.